ART TAIPEI 2022

「陌生事物的無限可能、期待與想像，它總能默默的將我們帶往一個生機處處的地方，在那裡，未曾分享過的回憶實現成四溢著鹹濕氣息的海岸，帶著我們逃離幾乎僅存的一個維度，而奔向四維甚至多維的廣闊之中，在那裡，早已故著的情感得以流洩，而藉此，會不會我們其實便已登上想望中的月球，踏上那得以喘息的一小步。於是當我們再次回過身時，又能繼續在地球的重力中前行，直到下次必須登月之前。」— 崔永嬿《登月計畫 Ⅰ／We all need some SPACE, a little SPACE》

人們不該藉由生命事件去詮釋作品，但卻可用作品去詮釋一個人的生命。

善於玩味文字和概念上雙關意義的崔永嬿，不停從自己的生活經歷裡汲取片段，透過文字、符碼，將其對於人心、社會的觀察，以及自我生命經驗中的領悟，轉譯至當代雕塑美學的範疇中。在創作中融合生命際遇的所知所感，而帶有濃厚的哲學思考意味。這樣的表現形式，或許我們可以從『愛麗絲夢遊仙境』故事概念所衍伸的《登月計畫 Ⅰ 》(2022) 中明顯看出。

在這件帶著個人自傳色彩的作品《登月計畫 Ⅰ 》，素白的人物雕像，掛著一抹若有似無的微笑，矗立於難以找到重心施力點的「舞台」邊緣，她闔眼、安心地任由繫於身後的金氣球擺佈。

「當沒有人相信一個氣球就能帶你登上月亮時，閉上眼任由那枚氣球帶著往上飄的你，有點浪漫，有點荒唐，但就在這閉眼的瞬間，我們確實上了太空，因為當下我們屏棄了現實。而這樣的瞬間，就像是我們都需要的某種「孤獨卻又廣闊」得剛剛好的空間，在這之中，真實與虛幻能隨意轉換，如同某種神秘契約，美好而準確」，崔永嬿如此解釋道。

對應著作品標題，我們可以心領一會創作者的意圖。創作主題扣合著對自身生活狀態的探問，且擅用材質特性的她，將故事潛藏於具有折射性的光滑金屬表面之中，讓觀者在觀看作品的同時，被映攝自身的的觀看行為，以及所投射出的自心觀照，讓其創作主題明顯地多了幾分概念與象徵主義的調性。

崔永嬿得力於早年繪本製作的豐沛經驗積累，造型語言精煉、純熟，其所製的渾圓短小人物雕塑，儘管是由冰冷剛硬的不鏽鋼所鑄造而成，但卻總有著極微細的表情變化與流暢的身體姿態，瀰漫著靜謐且饒富詩意的氣韻。雕塑人物的面容，因漠然壓低了感官刺激，含蓄隱晦地引人遐思，搭配熟悉的日常物件與造型鮮明的視覺符碼，更意外帶出一種荒謬卻令人莞爾的幽默、以及饒富寓意的敘事性。崔永嬿的藝術與生命狀態緊密交織而成，循著其創作推演、轉變，探知她如何逐步蛻變，如何在獨樹一格的藝術語彙中，找到自己安身立命的信念，並一以貫之。

1972 年出生於台北。台北藝術大學美術創作研究所畢業，是一位橫跨繪畫、雕塑以及公共藝術的全方位藝術家，擅長從不同媒材與文本出發演繹新造型，將其對於人心、社會的觀察，及自我生命經驗中的領悟，轉譯至當代雕塑美學的範疇中，富含人文關懷的創作者。將「插畫」視為與現實互動的一種連結，「雕塑」則是屬於內在的自我呈現，而公共藝術則是她將室內雕塑延伸到戶外的另一種突破。

創作題材向來不直接以人入畫的温孟瑜，擅以精鍊平塗、消去量感的「減法」繪製虛實交錯的空間。在理性、有秩序的構圖中，以精確的筆觸，處理細膩的情感，將不願明說的內在風景，轉譯為我們眼前一個個輕盈又無拘的空間景觀。近年來始而出現的流動線條，更增添「溫氏空間」 了一份恣意自在的氣息。

「温氏空間」畫面構成看似繁複 — 從繽紛歡愉的色彩與構圖、至視角物件的安排部署 — 卻總散發著一種靜謐的特質，猶如藝術家予人的印象 — 含蓄凝鍊、且温暖。筆下看似冷調乾淨的場景，乘載著她未盡的情感與意圖。 一如在《假日》波光粼粼的透明空間中，本應興嚷著混亂沓雜聲、擁擠人群的泳池湖畔邊，卻僅安置了一張單人座椅與孤行於湖面中的摺紙船。兩兩遙相對望，意有所指，卻又似有若無的故事張力，誘發著我們對體感溫度、對聲音的想像。一股不可名狀的張力，喚起我們說故事的本能。

温孟瑜選擇將心中尚未明說的深層感受託付於此，獨留觀者的視線徘徊於如此安靜且明亮之處，予以觀者一種更為自由的觀看方式。讓生活不只在眼前，還在許多他方，等待我們去看見。觀看其作，如同親臨無聲劇場，一幕幕無人之空間場域，賦予觀者安靜回望記憶、思考時間的棲身之處。

1987年出生於嘉義，現駐村於美國紐約Golden Artists Residency。畢業於台北藝術大學美術創作研究所，曾獲盧森堡藝術獎、拉古納藝術獎、臺北美術獎、ONE ART 新賞獎入選，以及東京ART OLYMPIA 評審特別獎。作品獲得日本岡山縣 FAN美術館、國立台灣美術館、澳洲雪梨 白兔美術館、文化部藝術銀行以及國內外藏家親睞典藏。

關乎政治的、歷史的、社會議題的；詩意的、精神性的、抽象的、實驗的、物質性的……許聖泓的藝術創作似乎難以用一個形容詞概括。這位1987年出生自高雄的藝術家，長期關注「消逝」與「時間性」，以獨特視覺語彙表現流逝的時間和記憶。在寫實具象的畫面中，流洩出某種象徵意義與如詩般的敘事性，集結多樣的複雜特質，創造出深奧且充滿了無盡想像的空間，與觀者產生某種不可思議的共鳴。

自2015年起，發展《森林》系列作品，特殊構圖視角與色感，總帶有一絲神秘、寧靜、夢幻、永恆（timeless）的特性。畫面中如山脈肌理的顏料，經反覆堆疊、打磨地創作勞動，創造出各種宛如對森林、岩峰、冰河、生物的擬態。值得一提的是，聖泓執著於使用難以取得的天然色粉進行創作，例如，在〈深時2021〉、〈群聚共生〉、〈某日的記憶〉畫面中模糊可見的珠光顏料。天然色粉質地本幽微、不易察覺，藝術家卻刻意顛倒次序使用，將之鋪陳於畫布的底層。在經壓克力顏料的堆疊塗層之下，珠光顏料以若隱若現的姿態存在，唯有光線從特定角度撒下時，才得以顯現。對應著我們觀看位置與移動，創造出如影像殘影般的晃動感，猶如創作者在登山途徑中所經歷的視覺經驗與空間變化。

面對不斷消逝的光景與記憶，聖泓選擇以畫筆捕捉，每個眼前稍縱即逝的瞬息變化，成為他創作源源不絕的內在驅動力。須知，面對山景，藝術家追根究底所欲探究的，絕非單單是眼前的景象。聖泓所繪之山不只是一座山，而是透過圖像的再現，以一種純粹繪畫的方式，探究其藝術性。猶如藝術家所解釋的：「記憶總是破碎，正是這樣的記憶片段，引領我對繪畫、對繪畫材料的感受與想像。」以消長的風景與物質形態作為時間的隱喻，將生命點滴和感受融入繪畫題材，勾勒出生命恆常的質變與消逝的形貌。

1987年出生於高雄。畢業自國立台南藝術大學造形藝術研究所，創作核心始終不脫「消逝」與「時間性」，在此衍伸下發展出四個不同系列的創作，並各自觸碰各類議題面向： 關於台灣過往歷史與當下的觀看，【三川州】(2015)；自身經驗與記憶所觸及的當下社會議題，【The Images Left Behind】(2018~)；繪畫性的材料感受與森林風景對於記憶與時間的隱喻，【繪畫】(2015~)。【The Glacial Landscape】(2019~)。曾獲高雄獎 (2014)、台北美術獎 (2015)，受邀頻繁，近年來可見其作於台北、香港、日本、瑞士巴塞爾等地。過去曾參加 TOKYO FRONTLINE (2011)、國立台灣美術館-台灣美術雙年展 (2012)、同年發表首次大型個展於鳳甲美術館（2012）、Art Central、VOLTA 14 (2018)等重要展覽。

若不理解歐靜雲的創作脈絡，可能會看的很茫然，一但把集體意識、神話寓言、個人生命經驗和美術史這些要素連結起來，縱深和視野就跟著展現了。

1991年生於台灣宜蘭的歐靜雲，在台灣同樣世代的藝術家裡，創作風格顯然格外不同於一般的表現，繪畫風格凝聚文學、神話寓言的微妙感性。透過瑰麗強烈的螢光色，巧妙地將自然環境、生活場景以及歷史現場，收束在一片混沌時間的綺想中，構築出一種「矯飾主義」式的敘事圖譜。

觀看歐靜雲的畫，總會陷入一種虛實交揉、恍若神遊的情境。其筆下的奇幻易景，將大量元素凝滯地被鋪排在壓平的多重空間中，人物與背景的關係不符遠近比例與空間維度，卻在一片混沌中隱然受到一種秩序所約束。一如在〈露水所至的原野〉、〈縈繞薄暮的靛藍色〉畫面中，狀態各異的元素分別佔據畫面一隅，隱現曖昧不明象徵意涵的水晶球體、充滿靈氣的動物、金字塔，隨著觀者目光的移轉將片段的敘事逐一拾掇而成，畫面的豐富可讀性引人入勝而沉浸其中。

值得一提的是，當我們細究歐靜雲的作品時，會發現所有入畫的角色身旁是找不到一絲影子環繞的痕跡。藝術家藉「缺席」的陰影，將觀者的凝視，導向總是在場的「光」；正因為光明與陰影相互交融，光明的背面，暗藏著陰影，反之亦然。也許在歐靜雲的觀看與繪畫下，無論是植物、動物、人物、山巒、雲朵，甚至是建築物與倒影，皆有專屬於自己的「光」，藉以隱而不宣的表述一種獨立且平等的存在立場。

須知，故事總是瞬息萬變，我們在每個時期看待眼前之物的感受也會隨之轉變，更何況是無法控制的他人同時也作為個體在轉變。聰慧靈敏如他，於是未曾正面給予任何解釋或定義，僅留下標題如線索般的註腳，任觀者與自身的想像力交互作用。而正是這樣的觀看經驗，提醒了我們藝術誘發感受，而真實正是伴隨著感受而來。

1991年生於台灣宜蘭，畢業於國立臺北藝術大學美術學系主修繪畫，先後取得藝術學士和藝術碩士學位。目前居住創作於台灣台北。歐靜雲作品被多家重要機構收藏，包括雪梨白兔美術館、香港驕陽基金會、台北關渡美術館、台北龍顏基金會、文化部藝術銀行以及私人收藏等，並曾獲 2020 ONE ART Taipei 新賞獎、2021中國信託繪畫獎入選、2021第十七屆李仲生基金會視覺藝術獎 ，獲邀於「禽獸不如—2020台灣美術雙年展」於國立台灣美術館展出。